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AUS GEGEBENEM ANLASS: ANTIFASCHISMUS IM FILM ist ein Seminar und Serie von Filmscreenings an der ADBK München, montags um 18h Neubau E_01_23



15.7.2019

Vorfilm: Episode aus PAISA (20 Min, 1945) von Roberto Rosselini

EIN BESONDERER TAG von Ettore Scola, 105 Min, 1977 (IT/CA)

The film covers the activities of a single day, May 6, 1938, when Adolf Hitler and his chiefs of staff came to Rome to pay a state visit to Benito Mussolini. Despite this rather grandiose premise, the film is deliberately set on a small scale, with just three major characters – Antonietta (Sophia Loren), a housewife married to Emanuele, a minor fascist party functionary, and their neighbor Gabriele (Marcello Mastroianni), a radio announcer who has been fired from his state-sponsored post. Much of the film's themes revolve around gender roles and the model of masculinity under fascist Italy.

Handlung:

Der Film spielt in der italienischen Hauptstadt Rom. Es ist der 6. Mai 1938, der Tag, an dem während des Staatsbesuches Hitlers in Rom vom 3. bis 9. Mai 1938 eine große Parade zu Ehren von Adolf Hitler und dem Benito Mussolini stattfindet. In einem Appartementkomplex lebt das Ehepaar Emanuele und Antonietta mit sechs Kindern. Der Vater geht mit den Kindern in die Stadt, um der Parade beizuwohnen. Antonietta bleibt zu Hause, um den Haushalt zu machen; ihr entfliegt der von der Familie geliebte Vogel. In der Wohnung gegenüber, vor der sich der Vogel niedergelassen hat, sitzt ein Mann: Gabriele – der kurz davor war, sich eine Kugel in den Kopf zu schießen – hilft Antonietta, den Vogel wieder einzufangen…

  • https://www.criterion.com/current/posts/3745-a-special-day-small-victories
    • Much of the film's themes revolve around gender roles and the model of masculinity under fascist Italy. Antonietta is the donna madre, a mother figure who meets her feminine responsibilities in the regime by having six children, boasting one more will secure her the government bonus established for large families in 1933. The Fascist regime equates homosexuality with depopulation, and thus, Gabriele is suspected of treason. The bachelor tax of 1926 was a measure against this, and Gabriele has to pay it. While the stay-at-home mother and homosexual neighbor would seem to be an improbable pairing, both are minimized by the regime, and find comfort and some sympathy in each other. At the end of the film, domestic life will continue as usual, but "inner resistance" to Fascism has been awakened.
    • Production: Maurizio Costanzo, Ruggero Maccari and Ettore Scola wrote the screenplay, after Maccari had learned about an incident in Fascist Italy in which homosexuals were arrested and taken to Sardinia. Particularly, the story of broadcaster Nunzio Filogamo was an inspiration to the story, as Filogamo always had to carry a certificate stating he was not homosexual.
    • The actors selected for the roles defied type casting, as Marcello Mastroianni was often seen in previous roles as "the prototype of the Italian Latin lover," and Sophia Loren was perceived as a sexy Italian celebrity. Along with Il bell'Antonio and I Don't Want to Talk About It, this is one of Mastroianni's roles critiquing the Italian masculine figure as the incompetent character falling behind an evolving society.
    • A number of unusual cinematic techniques are used in this film. A long take scene introduces Antonietta and her family: the camera enters through the kitchen window and moves into the rooms.Deep focus is utilized in a scene in which the camera is in Antonietta's room with her in the frame, and through a distant window Gabriele can simultaneously be seen moving in his house in the same frame.

8.7.2019

NICHT VERSÖHNT oder Es hilft nur Gewalt, wo Gewalt herrscht von Danièle Huillet und Jean-Marie Straub 52 Min., BRD, 1964/65

"Nicht versöhnt" (Not Reconciled) is the second movie made by director duo Straub/Huillet. Based on Heinrich Böll's novel "Billiard um halbzehn" (Billiards at Half-Past Nine) from 1959, it is one of the first German films to openly address the continuation of the National Socialist mindset and set of characters into the Federal Republic of the 1960s. Straub/Huillet's film breaks with the rather conventional plot of Böll's book and tells the story of a Cologne-based family from the time of WWI through the 1960s, foregoing cinematic conventions which traditionally partition time periods in narrative film. This subtraction places the emphasis on historical continuity (of fascism) rather than on narrative continuity.

  • https://mubi.com/notebook/posts/a-straub-huillet-companion-not-reconciled-or-only-violence-helps-where-violence-rules
  • https://worldscinema.org/2019/07/jean-marie-straub-nicht-versohnt-oder-es-hilft-nur-gewalt-wo-gewalt-herrscht-aka-not-reconciled-1965
    • The least that can be said to explain why the films of Straub and Huillet are so important is that they embody the most rigorous practice in cinema of playing fair with one's materials: texts, actors, elements, landscapes, buildings. That means: letting the living live, letting what once lived, speak. What once lived: what was once intended, what was once thought within a network of links with its own time and with the more or less distant past (the connections from Brecht to Caesar, from Hölderlin to Empedocles, from Pavese to the ancient gods of Italy, from Schönberg to Moses and Aaron). Letting what once lived, speak and appear, somewhere. People and things may not be in their place, but they are in a place. [...] In Not Reconciled (1965), it's already clear, this attitude, or discipline, that makes it happen that the filmmakers place themselves in front of people, in the midst of reality, in such a way that people and reality do not give up to the camera. The people are always looking out of the frame, they are always escaping, out of allegiance to this system that Straub-Huillet's Brechtian cinema constructs and displays, whereby the actor remains in his/her own skin even while adopting the garb of another: without claiming, falsely, to be at home in this garb. (No pretended intimacy in their films, no false traffic with the inner life of people; what is discussed is public life, politics, work, genetic life, the activity of peoples and races....) What Straub-Huillet add to Brecht is cinema: the route through the real or the escape of the real through the real, at the moment of being filmed.
      —Chris Fujiwara, “Resistance,” FIRPRESCI Undercurrent, issue 3, 2006

 1.7.2019

THE WAR IS OVER by Alain Resnais
122 min, Französisch-Schwedische Produktion 1966

Mit den Filmen "Hiroshima, mon amour" und "Letztes Jahr in Marienbad“ hat sich der Regisseur Alain Resnais auf eine Entdeckungsreise durch das Unbewusste begeben. Sein vierter Spielfilm "Der Krieg ist vorbei“ ist hingegen ein rasanter Thriller, der in seiner scheinbaren Einfachheit auf Kriegsfuß mit der Realität. Er fächert bei genauerem Hinsehen gesellschaftliche wie zeitgeschichtliche Probleme auf. Selten wurde Zeitgeschichte so gekonnt mit Persönlichem verschaltet.

"La Guerre est finie" erzählt von einem spanischen Revolutionär, der in Frankreich gegen das Franco-Regime kämpft. Dabei stellt sich auch die Frage nach seiner Identität, die vor allem über die Liebe zu Marianne (sic!) verhandelt wird. Der Bezug zu seiner spanischen Heimat ist für ihn als exilierter Republikaner zunehmend problematisch und beeinflusst sein Handeln. Sein Traum, zurückzukehren und den Kampf gegen den Faschismus zu gewinnen, geht sukzessive verloren.

Auch der Filmtitel ist ambivalent. Welcher Krieg ist gemeint? Im Untergrund findet er gegen den Faschismus noch statt. Selbst 30 Jahre nach dem Ende des Spanischen Bürgerkriegs arbeitet Diego gegen das Franco-Regime. Der Kampf im Exil scheint unendlich, sofern das Exil nicht als Heimat akzeptiert werden kann. Im Kontrast zu Diegos Berufung steht sein privates Glück. Besonders hier wird die Stilistik und formelle Innovation sichtbar, die Resnais stets ausgezeichnet hat.

  • der studentische filmkreis der tu darmstadt, schreibt in ihrem programmheft im WS 1968/1969: An diesem Punkte weitet sich denn Resnais Absicht auch über das konkrete Porträt eines desillusionierten Revolutionärs hinaus. Was dieser Film als Schlachtfeld meint, ist unser menschliches Leben schlechthin in dieser Gegenwart des totalen und rasenden Umbruchs aller feststehenden Werte und aller verläßlichen Fixpunkte. Die Krise Carlos’ wird zu einem großartig geschauten Protokoll der männlichen Vitalitätsproblematik überhaupt. Am Übergang vom vierten ins fünfte Lebensjahrzehnt vollzieht sich hier stellvertretend die grausame Gewißheit, daß die Dinge ihren Lauf genommen, sich verändert, uns in so vielem im unerfüllten, idealistischen Glauben zurückgelassen haben. Der Kampf hat keine Sicherheit gebracht, die hier für Carlos vorerst als äußerlicher Mangel evident wird und die doch eigentlich seine nie gewonnene innere Stabilität symbolisiert. Das Verstehen (hier in der politischen Diskussion um das Pro und Kontra eines Generalstreikplanes konkretisiert) ist dem alternden Intellektuellen zum schmerzlich empfundenen Vakuum geworden.

Alain Resnais : Hiroshima mon amour F 1959, 90 min

Ursprünglich wollte Resnais eine Dokumentation über Hiroshima und die Atombombe erstellen – er beschloss jedoch, daraus seinen ersten Spielfilm zu machen. Hierfür verfasste die Schriftstellerin Marguerite Duras das Drehbuch. Gedreht wurde an den Originalschauplätzen Hiroshima und Nevers.

Hiroshima mon amour ist eine Parabel auf die Liebe und ihre Zerbrechlichkeit vor dem Hintergrund einer unsagbaren menschlichen Katastrophe. Der Bewältigung der Kriegserlebnisse stehen Momente der Intimität gegenüber. Nicht die Geschehnisse des Krieges selbst werden betrachtet, sondern wie sie sich im Bewusstsein der Menschen spiegeln und das Vergessen unmöglich machen.

Handlung:

Eine verheiratete französische Schauspielerin und ein japanischer Architekt lernen sich bei Filmaufnahmen in Hiroshima kennen und verbringen zwei Nächte miteinander. In immer eindringlicheren Bildern erzählt die Schauspielerin dem Fremden von ihrer Jugend in Nevers und der ersten großen Liebe zu einem deutschen Besatzungssoldaten, während des Zweiten Weltkriegs, der sie an ihren japanischen Liebhaber erinnert. Dieser Soldat wurde jedoch von einem Résistance-Mitglied erschossen und die Schauspielerin wurde als Kollaborateurin des deutschen Reiches beschimpft, was eine Flucht der Hauptdarstellerin nach Paris zur folge hatte…


 17 Juni 2017

Sein oder Nicht sein von Ernst Lubitsch (D 1942, 90 min)

Im Kriegsjahr 1942 kam der vom, bereits 1922 aus Deutschland in die USA emigrierten Regisseur Ernst Lubitsch gedrehte Spielfilm „Sein oder Nicht Sein“ („To be or not to be“) in die amerikanischen Kinos. Der Film löste eine Kontroverse darüber aus, ob Witz und Humor geeignete Mittel sein können, um sich kritisch mit dem Nationalsozialismus auseinanderzusetzen. Zwei Jahre nach Chaplins „Der große Diktator“, wirkten neben den amerikanischen Hauptdarstellern, mehrere vor den Nazis geflohene Schauspieler in Nebenrollen mit.

Die Handlung: Die Betreiber und Schauspieler eines Warschauer Theaters proben 1939, kurz vor dem Ausbruch des 2. Weltkriegs, eine antifaschistische Komödie, die auf Druck der eigenen Regierung abgesetzt wird. Im weiteren turbulenten Verlauf des Films setzen sie all ihre dramaturgischen und schauspielerischen Fähigkeiten ein, um zu verhindern, dass eine schwarze Liste polnischer Widerstandskämpfer in die Hände der nationalsozialistischen Besatzer fällt.

"Ich gebe zu, dass ich die Nazis nicht so dargestellt habe, wie das Filme, Romane und Stücke sonst tun, wenn sie Naziterror zeigen. Keine Folterkammer, keine Auspeitschung", schrieb Lubitsch damals zu seiner Verteidigung. "Meine Nazis sind anders: Sie sind längst über diese Stufe hinaus. Brutalität, Auspeitschen und Tortur sind ihre Alltagsroutine. Sie reden darüber wie ein Geschäftsmann über den Verkauf einer Handtasche. Sie machen ihre Witze über das KZ und die Leiden ihrer Opfer."

Mit im Rückblick geradezu unfassbarem Scharfsinn erfasst "Sein oder Nichtsein" zugleich das Theaterhafte, ja Theatralische, im innersten Wesen der NS-Terrordiktatur. Das Vexierspiel um echte und falsche Bärte, Agenten, SS-Männer und Führer führt zu einer ständigen Verdoppelung und Spiegelung aller Figuren. Als der Regisseur bei den Gestapo-Proben bemängelt, er finde Bronski nicht überzeugend, weil er nur wie "ein Mann mit einem kleinen Schnurrbart" wirke, kontert der Maskenbildner: "Aber das ist Hitler doch auch nur." Auch die Nazis spielen Theater – und zwar der schmierigsten, wirkungsvollsten Art.

Das NS-Regime war eines, das sich durch hemmungslos triumphale Ausstattung, Dramaturgie und Inszenierung seine eigene verführerische Wirklichkeit und Bedeutung schuf, wie sich etwa an Leni Riefenstahls Film "Triumph des Willens" (1935) studieren lässt. Doch anders als in der harmlosen Bühnenwelt ist eine solche Theatralik in der Wirklichkeit nicht nur lächerlich und unangemessen, sondern wird zu einer tödlichen Bedrohung für alle, die in dieser Inszenierung als Opfer vorgesehen sind. Der wohl berühmteste – und umstrittenste – Satz des Films zeigt gerade diesen Unterschied auf: "Was der mit Shakespeare gemacht hat", sagt Gruppenführer Ehrhardt über Joseph Tura, "das machen wir heute mit Polen."

Darum ist es nur folgerichtig, dass es ausgerechnet Schauspieler sind, welche das Nazi-Theater ins Wanken bringen.


 3. Juni

Ein Vorfilm aus Postkarten zu Magnus Hirschfelds Institut für Sexualwissenschaft

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Hauptfilm

Rüdiger Sünner: Schwarze SonneSchwarze Sonne - Kultorte und Esoterik des III. Reichs (D 1997, 90 min.)

Mythologische Hintergründe des Nationalsozialismus

Der essayistische Dokumentarfilm behandelt die Beziehung von Mythos und Herrschaft, Esoterik und Macht im "Dritten Reich". Der Film beleuchtet den Einfluß von esoterischen Weltbildern und Mythen, die bereits am Ende des 19. Jh. in Deutschland und Österreich weit verbreitet waren, auf die NS-Ideologie.

Die Nationalsozialisten verstanden sich als das "arische Licht", das gegen die "jüdisch-bolschewistische Finsternis" antrat. Dabei bedienten sie sich vorchristlicher Symbole, vor allem germanischer Runen und keltischer Kultorte wie den Externsteinen. Alles diente dem Versuch, sich eine mythische Legitimation für die beanspruchte Führungsrolle zu verschaffen.

Der Film ist eine chronologische Reise zu den Ursprüngen der Nazi-Ideologie und sucht zahlreiche "Kultorte" auf. Bild- und Archivmaterial beleuchtet die Verflechtung von Esoterik, Mythologie und Rassismus. Fachleute und Zeitzeugen ergänzen diese visuelle Reise in den Bizarrsten Untergrund abendländischer Geschichte

Rüdiger Sünners Film ist der allzu vorsichtige Versuch der Erhellung der "Mythologischen Hintergründe des Nationalsozialismus" mit Hilfe interessierter Fragen und ohne Antworten. Er verabschiedet sich dabei von naturwissenschaftlichem, positivistischem, moderner Logik verpflichtetem Denken.


 27.Mai 2019

Ich war neunzehn Korad Wolf, DDR 1967, 115 mins

Im Stil fragmentierter Tagebucheinträge verfilmte Konrad Wolf 1968 seine Erfahrungen in der Roten Armee am Ende des II. Weltkriegs: Ein jugendlicher Blick auf ein historisches Ereignis.

Im März 1934, vierzehn Monate nach der nationalsozialistischen Machtübernahme in Deutschland, kam Konrad Wolf in die Sowjetunion. Er war neun Jahre alt und zweiter Sohn des Schriftstellers und Arztes Friedrich Wolf. Der Vater, ein engagierter, aus einer jüdischen Familie stammender Kommunist, hatte das Heimatland schon ein Jahr zuvor verlassen; nun waren ihm auch Frau und Kinder ins Exil nachgereist. 1936 erhielt Konrad Wolf die sowjetische Staatsbürgerschaft. 1943 trat er in die Rote Armee ein.

"Ich werde hinter euch her sein, bis ihr verreckt seid. Bis ihr begriffen habt, dass es damit vorbei ist, ein für allemal vorbei."


 20.Mai 2019

Wie werde ich Demokrat?
89 min Regie: Dieter Reifarth D2002

„Hitler – weg! Hakenkreuze – verschwunden! Nazi-Propaganda – ausgeschaltet! Die Nazi-Partei scheint verschwunden. Aber das Nazi-Denken ist geblieben.“

TV-Spielfilm ordnet den Film in die Kategorie: Politikdoku über die "Re-Education"

8. Mai 1945: Nach zwölf Jahren Diktatur und fast sechs Jahren Krieg gilt Deutschland als "outlaw nation". Um den Deutschen Demokratie beizubringen, ersinnen die Alliierten die Umerziehungskampagne "Re-Education". Die Wochenschau "Welt im Film" spielt dabei eine tragende Rolle. Bis 1952 entstanden etwa 100 "Lehrfilme" wie zum Beispiel "Panzerfaust wird Küchengerät". Eine sehenswerte Zeitreise.

Von 1945 bis 1952 berichtet die amerikanisch-britische Wochenschau WELT IM FILM über Politik, Kultur und Alltag im Nachkriegsdeutschland. Gleichzeitig entstehen im Auftrag der Militärregierung in den westlichen Besatzungszonen etwa 100 Lehr-, Propaganda- und Dokumentarfilme. Diese Filme und die Wochenschau sind Teil einer Kampagne zur Umerziehung (Re-Education) der Deutschen und widmen sich der entscheidenden Frage: Wie werde ich Demokrat?

Der Kompilationsfilm WIE WERDE ICH DEMOKRAT? ist vollständig aus Originalmaterial montiert, das für sich selbst spricht, auf nachträgliche Kommentare wurde verzichtet. Dadurch ist ein authentisches, spannendes und facettenreiches Bild von Aufbruch und Neubeginn entstanden. Eine eigenwillige filmische Moritat darüber, wie aus Ruinen eine Demokratie erstand, wie aus einer »outlaw nation« ein moderner Verfassungsstaat wurde. Dieter Reifarth montierte aus Archivmaterial ein authentisches, spannendes und facettenreiches Bild von Aufbau und Neubeginn.


 13. Mai 2019

Willkommen, bienvenue, welcome!
Fremde, etranger, stranger.
Glücklich zu sehen, je suis enchante,
Happy to see you, bleibe, reste, stay.

CABARET ist ein Musical-Klassiker, der in Zeiten weltweit erstarkender nationalisitscher Strömungen neue Relevanz gewinnt - ein Lehrstück über die Gefahr politischer Teilnahmslosigkeit. Die Vorlage zum Film lieferte der autobiografische Roman "Goodbye to Berlin" (1939) von Christopher Isherwood. In vielen Einzelgeschichten schildert er einerseits ein ungeahnt offenes und freizügiges Berlin, aber auch den Wandel des Zeitgeists nach den Goldenen Zwanzigern und dem sich erhebenden Dritten Reich in den 30ern. Im Zentrum der Handlung steht die US-Sängerin Sally Bowles (Liza Minnelli), der gefeierte Star des Kit-Kat-Klubs - ein Cabaret, das mit grell-aufreizenden musikalischen Darbietungen gesellschaftskritische Themen komisch-unterhaltend darstellt.

Regie von Bob Fosse (1972, 124 Min) mit Liza Minnelli, Michael York, Helmut Griem, Fritz Wepper, Marisa Berenson und Joel Grey. Mit Musik von John Kander und Liedtexte von Fred Ebb.

A great movie musical. Taking its form from political cabaret, it’s a satire of temptations. We see the decadence as garish and sleazy; but it’s not just as a Brechtian backstage ‘meta’ filmusical that Cabaret impresses us, the literal germ of Fascism’s sentimental Utopian appeal is been lucidly demonstrated. As a parable or metonym for the rise of German Nazism, as a comedy of social and sexual manners, as a romantic drama involving widely divergent character types and sexual tastes.

For its Dystopian anti-filmusical-ness, for the ample bravura opportunities it presents, for its satirically cutting edginess, for its appeal to the festively corrupt (and corruptible) amongst us


 05. Mai 2019

Letzte Wahl. (Wahlkampf 1932) von Ella Bergmann-Michel (D 1932/33, 13 min)
Horizontale und vertikale Formationen schreiten die Straßen entlang. Liste 1 und Liste 5, man ist sich einig und auch nicht. Das Volk wählt. Ella Bergmann-Michel wurde nach der Veröffentlichung kurzzeitig verhaftet, der Film verboten.

Kuhle Wampe oder Wem gehört die Welt? Regie: Dudow Manuscript: Brecht, Ottwalt Musik: Eisler (D 1932, 74 min) von der Zensur freigegebene Fassung, Original lost

Aus der erdrückenden und aussichtslosen Lage in Berlin der 30er, flüchtet die Familie Böhnicke in eine Art Gartenkolonie, die Kuhle Wampe. Von dort fährt der Zug nach Berlin und die Menschen sitzen zusammen. Ein weiteres Ereignis und gesellschaftliche Pflichten zwingen die Akteurin zu handeln, das Leben wird eng. Aber doch, man kann sich entscheiden.


 29.April 2019

Der Untertan ist ein Film von Wolfgang Staudte (DDR, 1951, 109 Min) nach einem Roman von Heinrich Mann (1914). Er beschreibt das nach Macht strebende Mitläufertum als typisch deutschen, preußischen Untertanengeist, der sich dadurch auszeichnet 'nach oben zu buckeln und nach unten treten'. 1950 erscheint 'The Authoritarian Personality' von Theodor W. Adorno und Else Frenkel-Brunswik, welches die Generationen der 1960er und 1970er stark beeinflusste (-> antiautoritäre Erziehung). Bereits 1941 entwickelte Erich Fromm die Grundzüge des autoritären Charakters ('Escape from Freedom'). Der fundamentale Zusammenhang zwischen autoritärer Triebunterdrückung und faschistischer Ideologie und die autoritär verfasste Familie als Keimzelle des autoritären Staates wurden von Wilhelm Reich anhand seiner psychoanalytisch-gesellschaftskritischen Auseinandersetzung mit Faschismus und Nationalsozialismus formuliert.

Im Film ist dieser Untertanengeist so gut beschrieben, dass er im Westen zuerst verboten und ungekürzt erst nach 20 Jahren zu sehen war. 'Der Spiegel' begründete das 1951 so: „Ein Paradebeispiel ostzonaler Filmpolitik: Man lässt einen politischen Kindskopf wie den verwirrten Pazifisten Staudte einen scheinbar unpolitischen Film drehen, der aber geeignet ist, in der westlichen Welt Stimmung gegen Deutschland und damit gegen die Aufrüstung der Bundesrepublik zu machen. Der Film lässt vollständig außer Acht, dass es in der ganzen preußischen Geschichte keinen Untertan gegeben hat, der so unfrei gewesen wäre wie die volkseigenen Menschen unter Stalins Gesinnungspolizei es samt und sonders sind.“

VOILÁ! Komm und Sieh!

  • Heinrich Mann : Der Untertan (Buch)
    • professor unrat (film -> blaue engel) 1905
    • der untertan (1912-1914) / vorabdruck in d wird zensiert und abgebrochen. 1915 erstveröff russland, 1916 privatausgabe d, 1918 d
  • Wolfgang Staudte 1906-1984 : Der Untertan (Film) / Trailer / PDF Bundeszentrale politische Bildung
    • 1944 Der Mann, dem man den Namen stahl / von nazis verboten wegen seitenhiebe auf bürokratie
    • 1946 die mörder sind unter uns /einer der ersten deutschen nachkriegsfilme, in den ruinen von berlin
    • 1948/1949 Rotation / mitläuferproblematik im 3. reich, sohn (strammer hitlerjunge) denunziert vater
    • 1951 Der Untertan / heinrich mann verfilmung. Staudte erhielt dafür den Nationalpreis der DDR. In der BRD wurde der Film als Angriff auf die Bundesrepublik gewertet und daher verboten, durfte nur in geschlossenen Veranstaltungen gezeigt werden und wurde erst 1957 in einer stark gekürzten Fassung freigegeben. Erst zwanzig Jahre später zeigte das westdeutsche Fernsehen den Film ungekürzt.
    • ab 1955 arbeitet Staudte in der BRD
    • 1959 Rosen für den Staatsanwalt / bissige Satire auf die Zustände in der bundesdeutschen Justiz der Adenauer-Ära eingeht.
    • 1962 dreigroschenoper / brecht
    • 1973 Tote brauchen keine Wohnung /massive Kritik vom Rundfunkrat an der „brutalen und menschenverachtenden Darstellung“ des Vermieters Pröpper (Walter Sedlmayr). Die Folge wurde daraufhin 19 Jahre lang bis 1992 für Wiederholungen gesperrt.
  • Die autoritäre Persönlichkeit (Sanford, Levinson, Frenkel-Brunswik, Institut für Sozialforschung, Adorno) und Der autoritäre Charakter (Reich/Fromm)
  • vergl dazu Brian Holmes : Der flexible Charakter the flexible personality


AUS GEGEBENEM ANLASS: ANTIFASCHISMUS IM FILM ist ein Seminar und Serie von Filmscreenings an der ADBK München, montags um 18h Neubau E_01_23

Ausgewählt und präsentiert von Studierenden der ADBK, Madeleine Bernstorff, Stephan Dillemuth, Gürsoy Dogtas, Karolin Meunier, Maria Muhle, Martin Schmidl, Stephanie Weber und Justin Lieberman, Tanja Widmann u.a.







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